‘소소한 일상 속 소중함’을 집과 나무, 꽃과 찻잔, 하늘과 바다, 고양이와 파랑새 등의 소재들을 이용해 희망과 치유, 행복의 이야기를 전해온 서양화가 구채연이 오는 17일까지 <나비의 위로, I’m ok>를 주제로 12번째 개인초대전을 엽니다. 주제작 ‘낭만하우스’를 비롯해 ‘주문을 걸어요’, ‘소풍’, ‘동행’, ‘셀레임’ 등 신작 9점을 포함한 44점을 선보이는 전시입니다. 

구채연 작가의 작품에선 의인화된 고양이를 빼놓을 수 없지요. 고양이라는 매개체를 통해 나와 타인의 관계를 재설정하거나 때로는 부정적이었던 시선들을 긍정적인 모티브로 바꾸어 냅니다. 따스한 색상과 입체적인 모습으로 의인화된 고양이는 현대를 살아가는 우리들에게 행복을 알려주는 ‘치유의 매개체’이기도 합니다.

가나아트가 단순한 선과 원초적인 색으로 화면을 채우는 노은님(1946년生)의 개인전 <생명의 시작 : am Anfang>을 선보입니다. 한국 작가로서는 최초로 국립 함부르크 조형예술대학의 정교수로 임용돼 20여 년간 독일 미술 교육에 기여한 노은님은 바우하우스, 베를린 세계 문화의 집, 베를린 도큐멘타, 국제 평화 비엔날레, 제5회 국제 종이 비엔날레 등 유수의 전시에 초대될 정도로 독일 미술계에 확실한 족적을 남긴 작가입니다.

국내에는 ‘파독 간호사 출신의 작가’ 또는 ‘아이와 같은 순수함으로 물고기를 그리는 화가’로 잘 알려져 있습니다. 이번 전시는 그의 초기작에서부터 근작에 이르기까지의 작업 전체를 관통하는 주제인 ‘생명’에 초점을 맞춰 노은님의 작품 세계를 조망하는 개인전입니다.

노은님은 한지에 그린 아크릴화, 설치미술, 퍼포먼스, 테라코타 조각, 심지어는 교회의 스테인드글라스에 이르기까지 매체와 장소에 구애받지 않고 다양한 장르의 작업을 구사합니다. 그중에서도 생명의 시작을 의미하는 점은 그의 회화에서 자주 등장하는 조형요소인데요. 특유의 과감한 필획과 원색에 가까운 총천연색들로 생생하게 그려낸 고양이, 물고기, 새와 꽃 등의 자연물에는 모두 점이 찍혀 있습니다.

작가의 말에 따르면 점은 곧 눈(目)입니다. 눈을 그려 작품에 생명력을 부여했고, 이러한 점들이 모여 선이 되고, 선이 모여 작가가 사랑해 마지않는 자연물들로 재탄생합니다. 작가가 자신의 옷과 신발에 점을 찍고 이를 입는 것 역시 같은 맥락의 행동으로, 삶을 미술에 가까이, 그리고 생명력이 충만하도록 하기 위함입니다. 화룡점정의 순간이라고 할 수 있지요.

가나아트는 자연을 추상적인 이미지로 시각화하는 박철호(1965년生)의 개인전 <Ripple>도 가나아트센터 제3관에서 개최합니다.

작가는 작업 초기부터 인간의 삶 역시도 자연의 일부로서 순환한다는 철학을 바탕으로, 인간의 존재가치 탐구를 지속하고 있습니다. 경북 의성 출생의 그는 유년 시절에 경험한 자연에서 영감을 얻었으며 작가 특유의 감성적 시선으로 자연을 추상적인 형태로 구현합니다.

이번 전시에서는 수면 위의 물결과 물결 사이의 빛을 통해 인간과 자연이 순환함을 드러내는 <Ripple(파문)> 연작의 신작을 공개합니다.

너비가 약 10미터에 달하는 설치 작품은 압도적인 스케일이 관람객을 압도할 뿐만 아니라 ‘광활한 자연’이라는 작가 일생의 주제를 집약적으로 보여줍니다. 전시장을 가득 채운 <Ripple> 연작들이 관객들을 푸른 대자연 속으로 안내합니다.

아이의 표정에는 성인의 계산으로 납득하기 힘든 고삐 풀린 순수함이 있지요.

일상에서 접하게 되는 평범한 대상이자 동시대의 한국에서 점차 희귀해지고 있는 어린아이의 모습에서 도시의 메마른 견고함과 소통의 벽을 우스꽝스럽게 무너뜨리는 힘을 발견하는 류은선 작가의 개인전이 열리고 있습니다.

예절을 배워가고 있지만 아직까지는 본능적인 감각들이 뒤섞여 뭉쳐진 예측불허의 작은 존재들을 담은 작품들을 만날 수 있습니다. 작가는 오늘날 디지털 매체에서 대중적으로 다루어지는 화면구조를 그대로 가져와 전통재료로 그려냅니다. 천진난만이라는 소재가 지닌 우스꽝스러운 이미지들이 종이와 먹이라는 원초적 재료가 지닌 차분함과 정밀함을 만나 마냥 가벼이 보이지만은 않습니다. 류은선의 작품은 디지털을 아날로그로 되돌리는 과정인 동시에 작가가 살아가는 시대성을 고스란히 간직하고 있기도 합니다.

화면에 담긴 아이의 모습은 계산 없이 엉뚱하고 귀엽지만 때로는 당혹스럽기도 합니다. 전시의 제목인 ‘어떤 표정 지어야 할지’처럼 말이지요. 먹이 지닌 고요한 색으로 그렸음에도 냄새와 소리까지 유추 가능한 이미지가 악의 없는 순수한 표현을 뿜어냅니다.

‘CR Collective 씨알콜렉티브’가 오는 10일부터 9월 25일까지 윤상윤 작가의 개인전 <유벤투스Juventus>를 엽니다.

윤상윤 작가는 오른손과 왼손을 구분하며 작업합니다. 그에게 왼손으로 그린다는 건 우선, 수고한 오른손에게 휴식과 일탈을 주고자 하는 행위입니다. 작가가 어릴 때 완고한 아버지에게 왼손의 사용을 저지당한 편치 않은 기억을 떠올리게 하는 것이기도 합니다. 부모의 강요를 포함한 아카데미 교육 및 문화적, 예술적 관습에 대한 저항이자 내재하는 디오니소스적 기질을 소환하려는 시도입니다. 왼손의 사용은 서투르지만 즉흥적이고 폭발력이 있어 회화적이고, 재현이라는 제약을 벗어나 자유로울 수 있다는 강점을 가집니다. 훈련된 오른손으로 그린 작업은 소위 잘 그린, 아카데믹하게 사실적으로 통제되고 구조적으로 조작된 화면을 만들어냅니다.

전시의 제목인 유벤투스는 ‘청춘’을 의미하는 라틴어입니다. 작가는 청소년들의 다양한 운동경기 장면을 우화적으로 포착하여 왼손의 미숙하고 즉흥적이며 역동적인 스트로크와 화려한 색채로 활력 넘치는 화면을 보여줍니다.

오른손으로는 현실에서 발생할 것 같지 않은 상황, 예로 흔치 않게 물에 차있는 작가 작업실이나 공원 같은 실내 외에 자연스럽게 모여 일상을 누리는 군중들의 풍경을 자아와 초자아 그리고 무의식이라는 구조적인 3단계로 구분한 캔버스 안에 봉합시켜 왔습니다.

작가는 이번 전시에서 양손 사용을 시도했습니다. 왼손 작업을 지속적으로 하다보니 점점 그린다는 행위가 익숙해져 오른손 작업 못지않게 솜씨가 늘어버렸기 때문입니다. 그런 면에서 이번 전시는 작가에게 또 다른 차원의, 작가의 한계를 드러내고 한 번 더 밀어붙이는 도전입니다. 잘 그린다는 기술력의 의미를 생각해보고 양손의 조화 또는 기묘한 부조화를 교차 경험하게 하며, ‘아폴로적–디오니소스적’이라는 대립 속에서 발생하는 아이러니한 긴장과 충돌하는 에너지를 고스란히 작업에 담아냈습니다.

소품으로 일관했던 왼손 그림을 큰 캔버스로 전환하면서 자유로운 통제와 일필휘지(一筆揮之)의 호방함을 얻은 작가 작품세계의 ‘역사적인 순간’을 목격할 수 있는 전시입니다.

가나아트센터가 21세기 도시문화를 기초로 탄생한 새로운 미술의 흐름을 대변하는 6명의 아티스트를 소개하는 전시 <NOVELLA VISTA>를 개최합니다. 단테의 신곡 천국편에 등장하는 단어 ‘노벨라 비스타’는 ‘시야를 흐리게 하는 얼룩이 제거된 새로운 비전’을 의미하는 것으로 이번 전시를 통해 그래피티와 스트리트 아트, 도시미술로 변화하는 현대 예술의 새로운 흐름과 대형벽화뿐만 아니라 회화와 조각, 설치작업으로 그 영역을 확장하고 있는 작가들의 독창적인 예술세계를 소개합니다.